古典CD分享及版本鉴赏 - 长桥卧坡（持续更新中、、、、）

gdyy223

谢楼上几位老兄和链接。

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沁园春· 酒后自嘲

浪得虚名，能有何用？苦苦追求。
叹人生如梦，弹指挥间，很少黑发，很快白头。
活力不足，疾病不断，转眼匆匆一命休。
还什么：自认为学问，羞与不羞！

好在脑袋不轴，把浮名奢利早早收。
重回归生活，思想滚蛋，赏鱼观花，不与身谋。
乱七八糟，九宵云外，既使听乐也悠悠。
这舒服，刚八两白酒，三盘肥牛。



行香子两首· 无题

晨看昨夜七律，见后四句平仄全反，都说酒易误事，这么稔熟的格律也迷糊出错，可见不假，
偶见窗外桃花大开，填两首行香子，凑趣。

一夜抽芽。妖妖桃花。香颤颤，倩影横斜。久倚阑干，醉览芳华。啖津河鱼、刘伶酒、太沽虾。
浊世管它！闲来涂鸭。美滋滋，独伴烟霞。残桥野鹤，陋居天涯。有紫泥壶、天泉水、靖安茶。

大隐无形，大道无工。也修行，唯乐唯松。日日繁琐，只为亲情。幸忙中闲，疲中酒，闹中听。
心净如婴，才是清明。知天命，安颐其中。只退不进，简单人生，有一胧月，一盆兰，一杯觥。

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马八规模浩大，但主旨若要高度概括，只需两个字——救赎、不管你贫穷富有、得意失意、发达没落、卑贱显贵、灵魂都能在救赎中得以升华与解脱，这是一部真正的“合唱交响曲”。

作品分为两部分，第一部分；请造物主的圣灵降临，六乐章，歌词选自八至九世纪所作的宗教赞歌《降临吧、造物主圣灵》。第二部分；《浮士德》第二部最后一场场景配乐，十二乐章，歌词选自歌德《浮士德》第2部“山谷”中第五幕的场景。
此作器乐部分所占比重不大，类似于清唱剧，歌词很长，但网上不难找到，我这省略，仅就几个要点简述两句：

一、第一部分第一曲，注意合唱开始向下四度、然后向上七度的音型，它气势宏伟、大踏步而来，这个乐句实形成第一部分的音乐主干，与之相映衬的是第二曲由女高音唱出的平缓优美的音乐，这两段音乐，一个豪迈磅薄，一个抒情如歌，相互对应、相互融通，变形发展，从而形成推动整个乐章音乐发展的主导。

二、歌词重点表达两个宗教圣念，一是开始七度音型所唱出的“请造物主圣灵降临”，它是整个第一部分的表达中心，大幅跨跃的音程如雷轰顶，造成仰视与俯视的双重效果，如万方齐聚，直奔上帝的圣灵圣光而来，第二个宗教圣念是“请主赐福”，这里包含着“赐与爱、赐与力量、赐与和平”等，整个第一部分由这两大主题构成，最后自然导出由女高与童声合唱的“荣耀颂”。

三、《浮士德》是德国文学家歌德（1749－1832）根据民间传说所作的一部史诗性诗剧，创作历时60年，浮士德的形像在德国乃至欧州广为人知，他作为入世与不懈奋斗典型其精神为人赞颂，诗剧中的学者浮士德为了换取知识、魔力和延长青春，与魔鬼梅菲斯特设赌；在经历了种种奋斗、幸福、失败和满足后，最终死去，诗剧第二部终场，浮士德的灵魂被天使们护卫进入天国，成为永恒，马勒截取了该剧第二部最后一场的场景，略加改动，突出了救赎的力量与上帝荣耀之光的蔽护。

四、第二部分第一曲这个重要主题动机需重点关注，它在小提琴的震颤长音与低音大提琴衬托下由木管奏出，在后面它将不断以各种变体出现，既表现大自然的旷远宁静，也表达出深遂的情感与幽远意念，特别是弦乐接过后，极富情感，几个声部反复陈述，纯至明净无暇、深至深不可测，同时与最后乐段逼人的光灿形成相互映照与极强烈的对比。

五、最后几段不可不听，特别是最后两段，灵魂若乘上遨游于天际星空的飞船，马勒的创作本意在这里显露无遗，他把浮士德作为对人性与理想追求至死不灭的象征、他的苦苦求索在上帝的荣光下最终达到救赎的彼岸历程，表现的激奋人心，听后令人心灵抖颤不已！

听听最后“奥秘合唱”这一段：
一切无常事，
转头成虚影；
不可企及者，
至此得圆满，
不可言喻者，
至此得实现；
永恒的母性，
引领我们升入天国。
音乐由天堂般美妙的低徊沉静，引出歌颂性的充满哲理的和声、直到达到万乐齐发、光焰四射的撼人效果。


版本首荐索尔第1971年DECCA版，在索尔蒂毕生引以为豪的经典唱片中，除了那套瓦格纳的《指环》外，恐怕就数这套马八了，DECCA为此动用了近乎奢华的顶极录制班底，录音师动用了威尔金森和帕里两大金牌，独唱家们、哈珀、波普、明顿、科洛、雪利－夸克、塔尔维拉等等，都是当时赫赫有名的实力派唱将，也都是对索尔第有敬佩之心合作多年的老部下，演奏（演唱）不仅端丽堂正，到处都充满敏锐的、脱胎换骨的与严丝合缝的应答，默契自不待言，既使是多声部的交叉轮唱也清晰至极，没有一个声部被淹没，我相信没有任何人能在这样无比精彩的重唱面前无动于衷，合唱部分更乃世界顶级，维也纳两大合唱团与童声合唱团一直属超一流水准，他们的演唱很好把握了作品的精神，而索尔第的指挥精神抖擞、毫无倦怠，钢筋铁骨般的坚硬台风与沁人心脾的优美乐韵整好切合了马勒作品向两极延伸的特性，听此版与听别的版本给我感觉不大一样，虽有的乐段显得不大均衡，但考虑到马勒此作人声部分很重，芝加哥强大的铜管与充沛的演奏反而与之能整合成令人信服的混声效果。

也许是整个的演奏录音班底太过奢华，你若听得仔细，诠释上略微有点过于追求效果的倾向，而宏大中对内蕴追求的推力略显不足，特别是人声部分，足够光辉灿烂，足够斑勃多彩，但主动“向内”的深度略微差了些，表现在直观的听感上则是直击心灵的力量与幅度足够，而温暖心灵的侵润度略嫌不足，当然，独唱部分太强势太精彩！特别是让人无话可说的第二女高露琪亚·波普和第一女高海特尔·哈珀——与由她们所带动起来无比惊憾振颤的、具有无比强大和声效果的尾声相比，这点小瑕疵完全可忽略不计，而清脆灿亮的男高勒内·科洛同样功不可没，我个人对这版的喜爱并不差于索尔蒂那套光辉灿烂而又冷艳夺目的《尼伯龙根指环》。

https://pan.baidu.com/s/1tUaiG5XYwiQxX2s08hsfGQ?pwd=4j71

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bomberb2 发表于 2024-5-10 15:15
我虽不嗜酒，但也好品饮，小酌两杯可也。

其实说起酒，国外的酒的品类，比起国内的要多，差异性，复杂 ...

威士忌喝过，家里也有，我倒能烧两菜，偶而弄个牛排或铁扒鸡之类，会来几杯威士忌，平常就是56度红星二锅头，喜欢它几口下去窜入腹中横冲直撞的狠劲，痛快！

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很不牛的俺 发表于 2024-5-9 10:20
不会写诗，但喜欢诗词
形影一朝别，烟波千里分。君看望君处，只是起行云。

爱乐懂诗，两大知识领域，小哥人才。

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ejack 发表于 2024-5-9 08:34
楼主是文化人。

我们这些现代打工人，能读懂古诗词就不错了，更何谈格律和平仄。

实实过奖了，都得辛苦讨生活，没啥区别，我可能大几岁，诗词上豁达一些而已。

gdyy223

理解马八不难，欣赏有点难度，难度之一在于它加杂了大量人声，歌词又是东方人并不熟悉的《赞美诗》与《浮士德》，它与贝九还不同，贝九前三乐章是纯粹器乐，人声在第四乐章，而席勒的《欢乐颂》广为人知，知而熟，熟才亲近、才好理解、才容易互动欣赏，马八则不同，这是一部纯粹合唱交响曲，通篇都是歌词，洋洋洒洒，歌词又如读天书。难度之二在于你很难用传统的音乐概念去套它，特别是第一部分，它与惯长的宗教音乐如赞美诗、弥撒、安魂曲的“律性”迥然不同，从音乐性的角度看并不好听。

马勒本人对第八则以极高评价，马勒曾自负的指出“这是在我过去作品中最大的作品，内容与形式都非常独特，无法用语言来表示。你不妨想象大宇宙发出音响的情形，那简直已不是人类的声音，而是太阳运行的声音。”他又说，“我过去的交响曲，只不过属于这首交响曲的序曲。过去的作品表现的都是主观性的悲剧，这首作品却是歌颂伟大的欢乐与光荣。”

我确信马勒这个评价是从音乐意义而非从音乐悦耳的角度讲，熟悉马勒者都知道马勒作品的两面性，它的交响乐带有他自身强烈的自述倾向，矛盾、怀疑、痛苦、这些东西，我们在他前七首交响曲中感受颇深，而所有这些境遇与矛盾、悲痛与忧伤，都在马八这里都得到了解决，马勒前所未有的豁然开朗了、醍醐灌顶般的顿悟了，他从此要在上帝的光照下自我救赎，表现在音乐上则是以坦荡的、明确的、甚至是大声喧哗的声调来体现，他要以一种过去少有的、升腾的、拥抱式的、歌颂的语调说话。

在我看来，第一部分开声上下大幅跳跃的七度音型与随后对之的展开都是这种心情最真实、最坦诚的写照，他表达了马勒少有的直率与畅快，音乐性在这里则显然退居次席了，但既使如此，听熟之后，依然会感觉到音乐自身的魅力，其实，开声的七度音型惯穿于整部作品中，我们在第二部分《浮士德》中仍能听到它的重现、变型与回声，这也说明了第二部分实际是第一部分“请造物者圣灵降临”的实解与体验。两个部分绝非互不干连，而是一脉相通的。


滕斯泰特这版马八演出阵容比奢华的索尔第版大为简朴，合唱团就地取材，只用了一个伦敦爱乐的合唱团，童声合唱团更节约，叫蒂芬学校男孩合唱团，找不到出处，无法和高贵的维也纳童声合唱团相比，歌唱家们更省钱了，看了看，除了男低音汉斯·索汀外，还真找不到一位在当时一线的大腕，这样算来，演出“成本”比索尔第版要便宜的多，但搞出来的艺术效果则足以与索尔第版并驾齐驱（听听第二部分“神秘合唱”中第二女高音所唱出的同样精彩又并不相同的意境）。

这是一版以强大的张力与雄浑宏伟气势取胜的版本，同时兼有温暖的内蕴，它以近乎直白的音乐语言、宣言式的直率措词形成独到凤格，而在直率中分明透出浑然忘我、不顾一切的狂势，这是我最欣赏滕斯泰特的地方，没有丝毫的犹豫与顾虑，更没有丝毫的娇柔造作，“说起话来”不加修饰，直奔主题，音乐语汇之鲜明、情趣表达之简明，都带有明显的个性烙印，它的马八没有那么多繁缛负重，但构架与轮廓非常清晰。

第一部分在我听过的版本中最“简洁”，但气势不弱，仍然保持着强大的张力与宏大磅薄的气势，演奏到了第五段落时，情绪已被充分调动起来，音乐已经沸溢出足够的感染力，滕斯泰特的冲天飞船已经先于他人要提前启航了！从音乐本身讲，论对第一段开始的七度音型勾勒与展开过程最清晰的，莫过于滕斯泰特此版，第一部分这六段音乐，段段具有令人信服的艺术说服力，哪一方面都极其出色，几位非大牌独唱家都有不俗表演，但录音与索尔蒂版比较有差距，特别是男声，唱源距拾音麦克偏远，倒腾这玩意儿，还是威尔金森们玩的溜。

第二部分如果说索尔第始终保持着强劲的、内在与外观的紧张度，滕斯泰特则是一步步将演奏推向那拔地而起令人思绪飞扬的狂势之中，之所以说“一步步”，是说他诠释的脉落极其清楚，也足够力度，推重的“比”在一步步增加，直到尾声的光焰四射！另外，不得不赞一句伦敦威斯敏斯特大教堂的管风琴，实在给力，低沉浑厚、轰鸣作响，尾声与伦敦爱乐团的铜管形成一股强捍的撼人洪流，而整个演奏又不仅仅是气势力度，它的温暖与人文气息同样给我留下深刻印像，演奏的感染力绝非仅仅来自气势与激情，有时候，沈静反而更具魅力。

此版的缺憾出在录音，平衡明显的偏远，演唱如隔了一重纱，声音的清晰与穿透力都大打折扣，近而明显影响感染力，这令我很失望，看了看，分别于1986年4月和10月录于伦敦郊外的Walhtamstow镇政府大厅和伦敦威斯敏斯特大教堂，对于两个混声条件不同的场地如何掌控麦克的摆放、平衡、声音的衰减增益等难度都不会小。

演职人员：
女高音：伊丽莎白·科奈尔、埃迪斯·维恩丝、菲里希丝·洛特
女中音：特鲁德雷斯·施米特、纳迪·德尼策
男高音：理查德·维塞尔、
男中音：乔姆·海宁恩
男低音：汉斯·索汀
伦敦爱乐乐团、合唱团
蒂芬学校男孩合唱团（英国）

https://pan.baidu.com/s/1TDjhTv5J2hN-FbN1nnDZLA?pwd=6eh4

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稍懂录音史的烧友明白，录音史笼统的划分为两大时期——即模拟录音与数码录音时期，如今在古典音乐领域，无论是运用AAD或ADD录音技术灌录唱片早以绝迹，但仍有相当大的一部分AAD和ADD的唱片颇得cm人青睐，究其原因，一、这两个录音标志的唱片，都是老一代艺术家珍贵的精彩演绎，随着时间推移越发显出不可多得，二、模拟时代有些精彩录音，特别是五、六十代出版的，杰出的音响效果丝毫不逊色于数码时期，甚至尤有过之，如水星公司1951年录制的这款穆索尔斯基《展览会图画》。

立体声录音始于1954年的RCA，很显然，这版《展览会图画》还是mono录音，但它却毫无疑问的成为录音史上模拟录音无可替代的典范之作，它最为神奇之处是水星（Mercury）天才录音大师罗伯特·法恩在这版录音中只采用了一只录音麦克风！这个突发奇想简直令人瞠目结舌，且在整个录音过程中对动态未加以任何修饰与调整！真正做到了“高保真”，而它所显示出来的录音效果极为出色，音场、动态、结像、聚焦、细节与空气感等等都没什么可挑剔的，我们丝毫听不出mono录音难以避免的狭窄与沉闷，相反，细节的鲜灵与音色出众的结像喷涌而出，令人“大快朵颐”！

这款唱片不仅动态出色，它同时有着浓郁的“胆味”，又看了看说明书才知道录音麦克风使用的是大名鼎鼎的德律风根—U47真空管麦克，难怪四处弥漫着浓浓的真空胆机味道，听听第四节“古堡”对萨克斯管出色的录音拾取，仿佛就在你眼前吹奏，充溢着宜人的萨克斯管的悠远幽香，的确能听出耳油，再加上如织錦锻般的弦乐群，将中世纪游吟诗人如悲如幻的古堡情节表现的十分抢眼，我对录音器材不在行，从也没予以过多的关注，但德律风根录音麦克名声太大，特别是自1946年以来的几十年间，它几乎是专业录音人士的最佳录音选择之一，它全方位指向的拾取性能，能最大限度保证了强动态、音频拓展与细节再现的非凡声响。

这版录音最出色之处仍在音乐演奏的动态上，德律风根-U47高灵敏度与宽广的频律响应特点在几段颇具动态幅度的曲目上很出色的表现出来，特别是铜管与击打乐器，从第一曲开声的明丽嘹亮到第二曲“侏儒”里凶猛的节奏与怪诞的姿态，音乐的瞬态反应很充分，无不录的栩栩如生，“波兰牛车”笨拙沉重的步态、“鸡雏舞蹈”的欢快诙谐、“两个犹太人”强烈的对比等等，都能给人以强列的画面感，而“罗马墓窑”铜管所表现出来的煞态与威严听起来也很是爽利，当然，受录音技术的局限，某些动态段落不可避免的有些尖锐，这不难听出来，再如“基辅之门”动态部分足够了，但失之于雄浑与宽广，这显然与mono和只摆放一支U47有关系,

此版于1951年4月由拉菲尔·库贝利克率芝加哥交响乐团录制，水星唱片公司1996年再版发行。

https://pan.baidu.com/s/1fYsi_XSqu8pOAHH5hERfAA?pwd=j04p

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MusicAV 发表于 2024-5-10 22:04
这幢楼，也送楼主一部电影：马勒传。https://pan.baidu.com/s/1mYurkrt69WXivddfv2LqKg?pwd=erji
十多天 ...

多谢多谢！

gdyy223

bomberb2 发表于 2024-5-10 22:57
哈哈，下回试试，威士忌桶强 cask strength, 酒精度一般超过58度，BTW, 好的威士忌比好的白酒便宜很多，
...

层主对西酒文化懂得够多，威士忌还有67度的？我印像中一般50度左右，家里的低点，45度

gdyy223

MusicAV 发表于 2024-5-11 16:09
律风根单支麦克录音之前听说过，库贝里克这张CD看封面熟悉应该下载过，晚上找出来或直接下载楼主分享的听 ...

老兄说的这几版我回来找找是否有，施奈德汉和奥胖的贝小协很熟，索尔蒂和霍恩的卡门印像不深。

gdyy223

先介绍几句作曲家及作品：

穆索尔斯基（1839-1881），5岁习钢琴，9岁登台，13岁创作出第一部作品《陆军准尉波尔卡》并公开发表，16岁参加俄新乐派“5人强力集团”，后追随巴拉基列夫学习作曲。
他生活在俄动荡时期，政治倾向深受车尔尼雪夫斯基影响，热衷对社会热点问题参与讨论，因而音乐创作形成具有尖锐**倾向与现实主义的创作风格，他的两部歌剧《鲍里斯·戈东诺夫》《霍凡兴那》是其代表作，器乐作品不多，但却以绘声绘色的风土人情与形像化写作手法著称，相反到比他歌剧影响大得多，对俄管弦乐作品发展具有重要意义。
但在生活上他属典型失败者，生活能力极差，谋生乏术，因而终生穷困潦倒，衣裳滥褛，甚至曾栖身街头，过着流浪汉生活，于1881年因酒精过度与贫困去世。

《展览会图画》创作于1874年，原作是钢琴套曲，迟至他死后的1886年才首演，首演反响平平，此作大红大紫是因1922年拉威尔将其改编成管弦乐，因新颖优异一炮而红，后又有六位配器改编者，但最终流行的还是拉威尔版，同样效果不俗的斯托科夫斯基版与列奥·冯特克版录音现在已经极罕见，其它的改编版基本绝迹。
这部作品以哥特式的管弦乐色彩，多变而富冲击力的诡异节奏，形象化的景物勾勒与丰富的音乐感染力而深受爱乐者喜爱。

此作是穆索尔斯基为其好友——画家与建筑家哈特曼一组遗画展览而作，共15首曲目组成，用音乐描述了10幅哈特曼的画作，并以4首“漫步”的间奏作为桥段连接，每一首都栩栩如生，引人入胜，我尤惊叹作曲家超凡想像力，他怎么能在这么简朴的画作面前谱写出如此音律斐然的激情杰作，答案只有一个——穆索尔斯基是在通过作品，以一个待亡人的身份与亡友哈特曼在对话！倘从这个角度细品体味，此作内蕴意旨便豁然开朗。

《图画展览会》所涉及哈特曼10幅画作大多已遗失，留下的只有《小鸡之舞》《两个犹太人》《墓穴》《女巫的小屋》《基辅的大门》，仅就这几幅画所对应的音乐来看，画作的暖色厚实与音乐的冷傲多姿形成强烈对比，音乐的内蕴涵义较之原画作大为拓展，它赋予原画更深层次也更为抽象的艺术挖掘与思考，其二，许多曲目都具有脱离开原作的额外含义，这一部分体现出穆索尔斯基对社会现实的绝望思考和对密友哈特曼之死的倦恋不舍，音乐中大放异彩的恰恰是这一部分，比如第二曲《侏儒》，哈特曼画笔下的侏儒是一个雕刻在核桃上的侏儒玩偶，用于装饰圣诞树，而穆索尔斯基的音乐则将其大为丰富了，它赋予这个畸形的小人物以极为深刻复杂的内心世界，艰难笨拙的步态与画作有直接联系，但音乐所表现出的内心的孤独与绝望则是作曲家自己的，穆索尔斯基显然大大提升了原画作的内涵层次与思想含义，这样的丰富与提升在10首作曲中比比皆是，较突出者如《牛车》《两个犹太人》《小鸡之舞》《墓窑》《女巫》等，特别是《墓窑》与《女巫》，堪称用音乐手法描绘景物画作的辉煌典例，同时，它的精神旨义灼灼闪光。

如果不是穆索尔斯基，我相信现在没有人会记起哈特曼和他的画。

《展览会图画》以音效突出而形成特色，同时，由于它对原画作开拓性的写作，因而评判鉴别版本，这两点均不可忽略。而在这两者间平衡性最优异的，我个人最欣赏弗兰兹·莱纳率芝加哥交响乐团1957年12月7日在RCA的录音，先勿论别的，看看这套录音班底，就知道录制水准不会低，制片人：理查德·莫尔，录音：刘易斯·莱顿，后期制作：约翰·普菲菲，艺术监督：纳赛尼尔·S·约翰松，工程师·安东尼奥·萨尔瓦多雷，个个是炙手可热的录制大家。而莱纳最后10年与芝加哥交响乐团创造的辉煌令人瞩目，他在这期间录制的每一款唱片都是精品，这版《展览会图画》既有灿烂的管弦乐声响，又有充分的理性把握，实属不可多得。

节奏把握莱纳显然比库贝利克稳健，它赋予作品恰当的动态与色彩，《侏儒》的速度慢下来，但奇绝与凶猛的气氛不减，甚有光彩。《古堡》演奏颇令人浮想联翩，萨克斯和弦乐的平衡甚好，画面昏暗而温馨，若夕阳西下，暇思翩然。《波兰牛车》沉重气息似乎不够，但由远至近又渐远的过程异常清晰，而短小的《鸡雏》演奏甚有风趣，可以这样说，就演奏的动态感而言，在众多版本中，莱纳的演奏不是最雄健有力，却是最简约而恰到好处的，如《墓窑》《女巫》都不以动态取胜，又都魅力四溢，略嫌不足的还是《基辅大门》，偏弱，并未充分发挥芝加哥交响乐团铜管与击打乐器的威力。
好录音的标志并非是一味提升动态与幅度，而更在于背景与细节拾取，背景一尘不染，音乐的细节与空气感才会彰显出来，什么叫“逼真立体声”？立体声绝非只简单理解为“双声道”，好的立体声录制，你能感觉出浓郁的空气感，声音从四处传来，每一声部都有准确的定位，音场自然，在你面前就像是管弦乐队在演奏，而这一切的前题很大一部分就得益于背景清晰，这版《展览会图画》就以优异的声音效果告诉人们什么叫“逼真立体声”。

卡拉扬1966年与柏林爱乐团版都值得首荐，我以为是他三个录音里最好的，当然他1986年的数码版音响之自然与演奏的张力都一流，但这个1966年的模拟录音我更喜欢，演奏既势大力沉、雄浑开阔，又没有趋向极端的痕迹，速度并不快，但开放性的思路表现出难得的激情，特别是铜管，煞气逼人，听听《侏儒》里的小号，再听听朦胧如重纱般的《古堡》，可见同样的曲目，总是卡拉扬“拉”的更开、对比更强烈、更丰富，也更具艺术感染力，《波兰牛车》摄人的紧张度很少有别的版本能达到，而《两个犹太人》里小号又表现出一股歇斯底里的冷透气息，《墓窑》铜管里的威严与阴森无人可出其右，再听听《女巫》对动态与静态的描绘简直奇绝！合奏显示出极高超技术，低音大号绘声绘色的演奏栩栩如生，甚至是可爱！《基辅大门》的华丽与凯旋般的雄阔也十分激动人心，尾声的铜管与平锣震人心脾！我还是那句话：卡拉扬的标题音乐只管拿，绝对差不了。

曲目：
1、漫步Promenade
2、《侏儒Gnomus》一个小侏儒迈着畸形的双腿笨拙地走路。他身材矮小，八字脚外拐，十分丑陋。
3、漫步主题
4、《古堡The Old Castle》。中世纪的古城堡前，一个游吟诗人在夜幕中唱着他那纯朴忧伤而又动人的歌。
5、漫步主题
6、《杜伊勒里宫的花园The Tuileries Gardens》。副标题"孩子们游戏后的争吵"，
7、《牛车Bydlo》大号和乐队沉重、缓慢地进行，描绘牛车不堪重负地艰难行进着，悲戚的音调表现了农民的悲惨生活。
8、漫步主题
9、《鸟雏的舞蹈Ballet of the Chickens in their Shells》。木管乐器尖声尖气地瞅瞅叫着，小提琴高音明亮的颤音更使音乐活泼而极富幽默感
10、第六幅画《两个犹太人——胖子和瘦子Samuel Goldenbery and Schmuyle》。弦乐器齐奏展示威风凛凛、傲慢粗暴的胖犹太人的音乐形象，加弱音器的小号瘦小犹太人的音乐形象，生动形象地刻画了一富一穷的两个犹太人。
11、第七幅画《里莫日的集市The Market-place at Limages》。这是法国南部一个阳光明媚的集市。
12、第八幅画《墓穴The Catacombs》。沉重的、葬礼似的低音和威严的和弦有时阴森，有时又有着教室合唱般的效果。
13、漫步主题再出现
14、第九幅画《鸡脚上的小屋The Hut on Fowl‘s Legs》。小屋的主人是俄罗斯童话中的妖婆。野性发作般的音乐横冲直撞，表现了妖婆在树林中飞翔的幻想景象。
15、第十幅画《基辅大门The Great Gate of Kiev》。音乐是一首庄严的颂歌，像巨人一样气势宏伟。

莱纳版：https://pan.baidu.com/s/1k30ZBNJnojs75KPO_ikXaw?pwd=9snx
卡版：https://pan.baidu.com/s/1zDHyXw7bhCBKEr98c0cwDg?pwd=e0y2

gdyy223

spendor 发表于 2024-5-11 21:44
敬佩楼主的才学，也很想知道楼主平时用什么方式听音乐，耳机或者音箱系统？

现在是耳机，森海塞尔

gdyy223

decnpo 发表于 2024-5-11 17:34
老师满腹经纶、潇洒活脱、光明洞彻！

谢谢！

gdyy223

bomberb2 发表于 2024-5-11 17:12
左边第一瓶 64.1度，中间 62.6度，右边 46度，

苏格兰法律规定，Scotch Whisky  苏格兰威士忌，必 ...

谢谢老兄，我对西酒不懂，长见识了。

gdyy223

MusicAV 发表于 2024-5-12 13:33
芝加哥后来由索尔蒂指挥的那版音效也不错，特喜欢听他那段波兰牛车，DECCA早期的数字录音，音色就是少了些 ...

同感，如是说听来听去，从整体性和动态幅度还是这老二位地道，其它好版也有，慢慢听

gdyy223

伯恩斯坦马八有两版，一是1966年CBS伦敦交响乐团版，一是1975年DG维也纳爱乐乐团版，维也纳版是1975年在萨尔茨堡音乐节上实况录音，这两个版我个人常听966年CBS版。

现如今，马勒专家头衔有点缩水，演奏了几部马勒就成了权威，国人指挥也有人愿意把这顶帽子往自己头上戴戴，殊不知在马勒这建立权威是非常难的事，诠释马勒难度很大，成为专家难度更大，它绝不仅仅是理解、演绎的事，演奏马勒是个系统工程，它几乎囊括了音乐音响与世俗情商的方方面面，用评鉴版本的三大要素——理解、演绎、效果来评鉴马勒都显得不完全，而且马勒版本还要接受时间的验证，有的版本问世即获好评，但随时间推移却名落孙山，这样的版本为数并不少，因而我以为，尽管马交版本多到难以数计，演奏马交的指挥能排一长串，但能称之为专家或权威的寥寥无几，而伯恩斯坦能占一席。

业界对伯恩斯坦马交总体评价不算很高，一主要理由是认为伯恩斯坦在其中注入太多主观因素，导致情感泛滥，他的马勒确实蒸发着情感的热流，每到“临界点”往往摇摇欲坠，乃至于你很难分清这是马勒还是伯恩斯坦，有评论担忧不无道理，任何演奏，若一再冲击“临界点”，又不能有效收回来，你就难于判断这是适当的激情表达还是过分的情感泛滥，收与放是一个整体的两个方面，不管是收是放，只有恰当的适度的才合理，但啥事不能绝对化，判断版本的标准一样不能绝对化，僵化的绝对本身就包含着某种不合理，对伯恩斯坦马交的几个版本就并不适合用僵化的标准去套，伯恩斯坦偏于情感化的表达恰恰与马勒精神世界中种种难以调和的矛盾与偏于情感自述的音乐特点、形成相互观照与相互融通，他的你中有我、我中有你也就有了演绎的合理性，这是伯恩斯坦解读马交的基础，反到形成伯恩斯坦演奏马勒最明显的特色，正是凭着浪漫与情感这两把剑，马勒权威这顶帽子戴在老大师头上几十年，时至今日，不仅仍无人能替代，反而愈发觉得恰当，愈发觉得非他莫属，而我们在这版CBS的马八中就看到了他棒下马勒的独到与自身特点。

第一部分的旨意很清晰，在坚定而富于情感的音乐语汇中，表现出浓郁浑厚的浪漫色彩，我总感觉伯恩斯坦有意淡化马八的宗教属性，从中注入类似于歌剧的戏剧性成分，又相应增添了感性色彩，人声部分咏叹调的味道很浓，宗教性的那种升滕与直观反而隐去了，他的诠释更加接近于歌剧，有着类似于威尔蒂那样的男性气息与胸腔共鸣的浑厚，从声音上看，无论是人声还是管弦乐，音型与色彩都“磨”的非常圆，显然属浓墨重彩，也显然是大轰大鸣，但又迥异于索尔第那样的大轰大鸣，可以这样讲，伯恩斯坦把浪漫主义后期激进管弦乐派的音乐特点——浑厚繁缛、交融浓郁的氛围作到了极至，没有其他指挥家像他那样把这首马八诠释成具有史诗般雄浑宏伟的历史正剧，若仔细品味了这几版马八，你或许能了解同一部作品由不同艺术家诠释，表现出来的意旨与效果竟如此不同，某些乐段甚至从根基上改变了理解的广度与深度，你也才能真正体察马交的多版本试听对于理解马勒、对了解不同版本的艺术特性、以及他们不同表现力与艺术效果有多么重要。最后几段的激情与炽热令人热血沸腾，几位歌唱家以强大的合唱营造出响遏行云般的巨大声浪，锋利的乐队、强大的管风琴共同将演奏一次次推向高潮，而正是最后这几段，我们才清晰感觉到奔涌于伯恩斯坦心中的神性与几欲脱离开地心引力的升腾，作曲家与指挥家的意念此时此刻紧紧契合于一体，因而所表达出的气度与力量都是惊人的。

第二部分乐队织体粗呖但笔力鲜明，意念的集中度不错，不足在于开声小提琴震颤音稍显淡了，而管乐声部也就相应凸显，和声在层次上显得少一层，以我看，这一大段器乐部分本应突出复调的层次，好在并未明显的弱化，只是略显倾斜，而且合奏的情感性不错。在演奏的设定上，第一第二两个部分用力强弱均等，没有有的版本第二部分偏弱的现象，而诠释的脉落走向很明确，每一乐段都做的聚精会神，沉静部分你甚至能觉查出几分精致，人声尤其令我满意，合唱团与童声合唱都是高水平，几位独唱实力不俗，相对器乐部分除第一乐段的层次外，中间有两三乐段感觉一般，如第四五乐段就显的滞了，但总得看这么庞大的乐章没有明显疏露，乐队的情感性很好地烘托了人声的主旨表达，越到后面越趋向浑然一体，著名的尾声两段不用多讲，伯恩斯坦制造的“飞船”，总能承栽着比别人更多的情感份量，酝酿的过程更为充沛完满，冲力更强，飞的更高，直的冲向无垠的宇宙穹空。

在马八愈来愈被人接受、版本也愈来愈多的当下，这个录自1966的唱片不仅未被埋没，反而越发显出在浪漫情怀与自然诗意抒发上的超能能量，特别是来自伦敦歌剧院名声并不响亮的几位独唱，而伯恩斯坦略慢又恰当的节奏给予人声充分而又自由的放声空间，男高音约翰·米奇森的朝气、格温尼丝·琼斯的圆润且高亢、耶娜·斯普琳贝格如羽般的轻柔，都给我很不错印像。


相对DG公司1975的萨尔斯堡现场版更有市场与拥趸，这个录音的确有过人之处，特别是第二部分最后两章节Blicket auf zum Retterblick 和 Alles Vergangliche 曳风摧情的魅力，几乎没有版本可匹敌，其中女高音普赖斯与布吕根的表演当属典范级别，整个演出更有激情也更富于气势，维也纳爱乐团的确比伦敦交响乐团准备的更充分、声部合奏更老到，几位独唱不仅名气响亮，实力也的确盖过1966版，如赫尔曼·普莱（男中）、范·当姆（男低）、肯尼斯·李格尔（男高）等都是赫赫有名的唱将，就更别说维也纳这几个无可挑剔的合唱团了，但若论听感，整体上我个人（仅仅我个人）还是1966版更易入耳，它在温暖与诗意上，更为熨贴人性，也更有人文气息。

CBS版：
第一女高音：耶娜·斯普琳贝格、
第二女高音：格温尼丝·琼斯、
女中音：格温耶丝·安奈尔、安娜·莱诺德丝、诺尔玛·普罗切特
男高音: 约翰·米奇森
男中音：弗拉迪米尔·鲁兹德亚克
男低音：多纳德·麦克伦耶尔

管风琴：汉斯·沃伦维德

林德节日合唱团
伦敦交响乐团合唱团
海格特中学童声合唱团
芬利奇儿童音乐团

伦敦交响乐团\ 伦纳德·伯恩斯坦

CBS版：https://pan.baidu.com/s/1d4u4KavQVbrlbpH8Ppwzqw?pwd=uiz5
DG版： https://pan.baidu.com/s/1hnT9zAXiCWViwHHa8crNlA?pwd=thhv

gdyy223

马八的难度不仅在理解，还在于如何在音乐性与音响性、情感性与空间布局上找到正确方向，从而准确勾勒，展现创作的初衷与原貌。

我始终以为演奏马勒（1860-1911）与演奏其它作品有区别，马交比其它激进浪漫乐派作品要复杂，它的音乐对音响空间的需求比任何作曲家的作品都要大，以我看来，从巴赫贝多芬直到瓦格纳（早期作品）、理·施特劳斯，都可以用单声道录音与以重现，他们也确实有部分单声道录音，杰出的历史录音可以影响效果，但并不影响演绎的准确、也并不影响作品精神的还原，但马勒似乎不行，马勒的气场更需要强大的音响空间来填充，相对于其它作曲家作品，它更加依赖于先进的录音条件和演出的音响效果，我就很难想像用单声道的历史录音去还原马八，那将会导致风采流失和煞风景，单声道的历史录音如果有也会在不小程度上让马八失味。

演奏马八既需要扬起来，也需要沉下去，宗教的圣念与冥思、对上帝的憧憬与向往，需要沉静纯朴的音乐形式表达，马八中这样的乐段一定要沉，一定要表现出理性的光泽，一定要让听众清楚感受到这个过程是怎样一步步的深化与延伸，演奏的空间如何，一、要看两极的比度，二、要看空间是否足够充沛完满，在这一点上，滕斯泰特无疑是杰出的，沉的下去，扬的起来，豁的出去，收的回来，它在高起点的基础上，把这个过程一步步深化，你能看到他的延伸与拓展，因此，它的整体性十分出色。伯恩斯坦从一开始就是明确的，从一开声就已经让你想象到他的终极目标会是何等的光辉灿烂，他动用一切可能、不惜夸张来为终极目标造势，演奏始终有声有色，他也大大强调了那番羁绊尽除、如释重负、腾空而起的瞬间，那是一种刹那间的狂泻和由此而发的冲出地心引力的升腾，而索尔第则表现出无比的坚定，他以刚强的姿态、明确的语汇来向尘世告别，他把这个过程表现的足够强大，听听最后几段，惊天动地般，斩钉截铁般，没有犹豫、没有眷恋不舍，挟裹着浩然长气直冲云霄，他的马八在音乐性与音响性上都令人满意。

西诺波利此版录于1990年12月，它与伯恩斯坦热情浪漫的演奏形成两极，我之所以喜欢此版，就在于它表现出与伯恩斯坦不同的情调、温度、色彩与演奏方向，而又不失热情宏大与感召，西诺波利具有天然的冷色调，而表现出来的结果则是在宏大空间感之下非常清晰的构架，第一部分这几段，很难找到还有谁能把马勒的意旨与人声部分的层次“做”的这样清楚，没有含混、也没有相互的侵染，声部间彼此的边缘一目了然，情感温度被严格控制着，听者绝不会产生“过”的疑虑，指到意到，它的高潮也是清晰状态之下的高潮，第一部分最后三段，可谓是越繁缛、越清晰、越庞大、越精细，面对马勒多头绪的庞杂与繁缛，仍然呈显出手术刀般的精准，令我叹服，我一直以为，西诺波利的演奏，都是预先设计、预先策划的结果，不管面对何样作品，他都不会即兴，不管演奏到何种状态，都不会心旌摇动，总是按步就班地按预定的计划走，即使是马八这样需要临场澎湃一点的作品，都不会为临场气氛所动，西诺波利非常清楚，他的策划是一流的，完成这策划本身就是一个完美的艺术旅程，效果必然一流，而只有理性的热情、有控制的动态、充足的力量，才能把马八的意旨与气度全方位展现，而不会仅仅偏于一隅。

表达方式是我熟悉的西诺波利方式，听听第二部分器乐部分，于冷沥宽广条理中不失热情，一个宁静而富于思考的开始，一个充分的铺垫，整个第二部分演出的富足而详解，你感觉不到像在伯恩斯坦那里来自指挥强大的推力，西诺波利的动力来自于理性，来自设计本身，他棒下的演奏员（包括人声）需要“提醒”，但并不需要额外的“助推”，一切都是准备就绪的，西诺波利只须打开一扇扇门，细部令我满意，你在这找不到含混， 人声部分中独唱声部总得看男声优于女声，特别是男高刘易斯非常成功，“在这自由眺望”这一段，唱的令人心旌摇动，音色、情感与功力俱佳，使得接下来的器乐与合声沉吟段把那种爱的浸润表达的很美妙，女声独唱中，令人瞩目的谢·斯塔德我略感失望，并没有我想像的那么好，反倒是安吉拉·伯拉西给我很好的印像，她与刘易斯提升了整个独唱声部的实力，说实话，引领作用超越了谢·斯塔德，尾声没啥可挑剔，西诺波利擅长把握大场面，胸有成竹，气象自然不凡，最后一段涵义尤为宽广，通往天穹的圣路被装扮的充满圣色，所有的环节都尽善尽美，足以为演奏画上一圆满的句号。

1990年的录音没我想像的出色，固然是无比清晰，层次也好，但偏“冷”的声调显得气势足够但温度不够，另一点，高音区的音频有些“尖锐”，比如弦乐，再比如铜管的高音区也有些刺耳。

女高音：谢莉尔·斯塔德、 安吉拉·玛利亚·伯拉西、 曹秀美
女中音：瓦尔特劳德·梅耶尔      
男高音：凯思·刘易斯。/
男中音：托马斯·艾伦/
男低音：汉斯·索汀。      
爱乐乐团&爱乐合唱团/  
绍森童声合唱团

https://pan.baidu.com/s/1GiAB96qes13RLnn-pWzv1Q?pwd=t00z

gdyy223

马九落笔于两种情结：对人生的恋与无可奈何的死，很多文章把马勒写的视死如归其实不准确，那是纸上的马勒却非真实的马勒，交响乐直接描写死亡的很少，前有老柴的《悲怆》，后有坎切利的《冥河》，而在音乐表达上对生死最纠结不舍的就属马九，它通篇都在生与死上跳跃挣扎，第四乐章最后的的平静也是无奈的平静，是历尽周折后对死亡无奈的接受，因为无奈，所以才坦然，也正因为历尽周折，宁静的死才演变的真实，也才有直击人心的力量，以我看，无论音乐与人生，“过程”最重要，无论谁归宿都一样，精彩与否全在过程，音乐也同样，是否精彩、是否经典，唯在表达的“过程”而并不在结论自身，结论谁都可以作出，概括性地说几句原则话不难，但表达出直击人心的细部细节则实属不易。

马九的价值，就于在真切表达生与死、憧憬与幻灭之的碰撞，第一乐章第一主题——开声0.24分在D大调上却具小调色彩的这条旋律，透着轻柔与美，对生对爱淡莫的人，写不出这样的旋律，但注意，在这条旋律中主音D并未出现，马勒似乎有意摆脱对主音的依赖，属音mi与so起了关健作用，它引领旋律向上攀升，越向上越显出温柔体恤，使之深化柔化，而最终落在与主音音并不协合的re（小调6）上，这个下行的二度音（3_2），实际构成第一乐章的主导动机，它既是情感变化的引领者，又是音乐自身展开的启动者，因为我们可清晰地感觉到在展开部它的巨大作用，它就像一千面小生，不时开启演化出各种情感景色，直到这时，我才明了这个下行二度构思的巧妙，才明了马勒写法运用的高超，这种写法脱离了传统奏鸣曲式的一般成规，也脱离开了调式音乐的一般规则，却恰如其分不落俗套。而温柔体恤并未持续多久，音乐在1.53分转入d小调，旋即就是对比性苦楚阴郁的第二主题，色彩骤变，展现出生与死的对抗挣扎，未等及展开部，两个主题已经展开激列的碰撞，6.47分（第3音轨），在定音鼓下行二度的敲击下进入展开部，展开部在技术上主要是对第一二主题作变形处理，以表达死亡预兆的凶险与死亡之魔的强悍，马勒大量采用复调音乐的对位方式，将那种非正常的、扭曲的、相互纠缠的音乐形态塑造的惊心动魄，其中第一主题被不断的重复和变化，它的变形与其它主题的展开，如一场生命与死亡的对话，展开部第一大段落重在表达对生命的眷恋，但死亡预兆显然占了上风，它的威力一次次爆发，一次次把生命的呼唤打至无形，音乐在20.20分进入再现部，最后渐渐消失在宁静而无语的低叹中。

中间两个乐章笔锋一转，俨然一付新颖奇异的天地，第二乐章是带有变奏特点的谐谑曲，遍布着主题与主题之间的相互渗透，既有主题的变形响应，也有变奏，形式自由，但听起来也较难把握，第一乐章的两度音型仍在这里起着重要作用，这里面包括三段风格各异的兰德勒舞曲，第一段在一简短但非常重要的序奏后，由小提琴在0.19分奏出，看似闲散而无忧无虑，实则却显得古怪而空洞，凡尘的气息被一步步剥离，第二段出现于3.13分，由C大调转入E大调，情趣景色尤有甚之，若精灵小鬼冷漠滑稽的舞蹈，第三段相继由圆号和双簧管在6.01分奏出，给睥睨嘲讽而又光怪的音乐色彩注入了几许温情，调性也自然改变，音乐站上了富于田圆风情的F大调，应该记清这三段兰德勒，听熟后或会感叹马勒在后面与以的变化多么丰富，又多么与众不同，置身“调”外而又皆在调中，如信手拈来却精妙难当，色彩冷峻却又若阴阳倒悬。

而本应在末乐章出现的回旋曲被编排在第三乐章，音乐洋洒着黑色幽默般的冷嘲气息，马勒以狂放而又鄙夷的目光，将人世百态之种种变形而又“空泛化”，当然不乏对人生的眷恋，但最终在留下深情的几瞥后弃之而去，回旋主题来自开声不久（0.07分）小提琴一段小幅跳跃的旋律，它在后面的展开中演化出两个副题，马勒都与以对位赋格处理，并嘲讽般地提示为“献给我的阿波罗兄弟们”，以讽刺那些认为马勒对位手法不高明的音评家，写法上采用将回旋主题“拍碎、重合”的方法，使主题高度“散群化”，注意在第3音轨第1.34分出现的第二副题，它又回到了与第一乐章第一主题相同的D大调上，这一调性的重合是意味深长的，表现出与其相同的温柔与不舍之意，而整个乐章音乐的展开与赋格材料均来自于回旋主题和副题，但又如一张张变形的脸，基本面貌特征不改却神态各异，这个乐章写的大胆姿肆、狂傲不拘。

第四乐章使用了少见的柔板，且没有按惯例回到D大调上，而是降了半音，以降D大调组织，用意显然是让音乐色彩暗淡下来，以便与“告别”的意旨相符，这种把柔板放到第四乐章的写法，让人想到了海顿第45号“告别”和老柴第六号“悲怆”交响曲，开声柔板主题旋律的第二小节脱胎于第三乐章中间的第二副题，它构成整个第四乐章的基本骨干，第四乐章音乐素材的组织、展开、演化大多缘化于此，并很自然让人把这一乐章的情绪与第一乐章的眷恋憧憬气息联系起来，从而首尾相接、形成一个整体，串联可谓巧妙老到，这个内韵丰腴如赞美诗般的主题旋律缓慢的、自由的、不受阻碍的发展着，表现出巨大的情感魅力，自述般地诉说着悲欣交加、沧桑历尽与幽暗神伤的情绪，我们不能不感叹第三乐章这个副题在这里竟然演变的如此丰满动人，它在14.49分这一乐段达到一个情感的爆发，然后渐趋平静，灵魂似乎终于找到了最后归宿，余下的只是宁静。

版本上，卡拉扬的1982年现场版与伯恩斯坦1979年与柏林爱乐的现场版都相当出色，侧重不一，但各尽其能，卡拉扬显然在整体性、光洁度、演奏的平衡上占优，而伯恩斯坦则把情感的悲剧与痛苦做到了极端，这要看听家的取舍。

https://pan.baidu.com/s/1WTplcKLkm2YetqE_MKp5vw?pwd=rel6

gdyy223

很不牛的俺 发表于 2024-5-14 18:59
这样歪法大抵楼主也不会介意的吧

哈哈! 不会，偶尔来点生活百态长知识，有益健康。